L’artista è per definizione un “fanatico” della materia e un accumulatore di cose.
Artisti di fama nazionale ed internazionale e di generazioni differenti sono invitati ad inviare i propri effetti personali: oggetti comuni, libri, ricordi, suggestioni musicali, indumenti o strumenti di lavoro.

personal effectsonsale è un progetto espositivo che, come un diario visivo, offre una percezione intima ed inedita sull’identità dei proprietari, e testimonia ricordi, opinioni, abitudini, preferenze, riferimenti artistici, culturali e sociali attraverso gli oggetti che il pubblico potrà comprare.

Il progetto scommette sulle identità: se la lista degli artisti è dichiarata, gli oggetti resteranno anonimi e la loro paternità verrà svelata solo dopo l’atto dell’acquisto, scoprendo affinità elettive impensate.
L’esposizione quindi andrà a modificarsi continuamente, svuotandosi degli elementi man mano acquistati dai visitatori che, con questa modalità, parteciperanno attivamente al “ri-allestimento” della mostra.

Gli oggetti personali – da uno a tre per artista – saranno messi a disposizione del visitatore, che avrà la possibilità di comprarli al prezzo simbolico, democratico e ironico di 9.99 euro l’uno. La vendita sarà accompagnata da un certificato di proprietà firmato dall’artista stesso. I proventi raccolti durante i giorni della mostra permetteranno di pubblicareun catalogo sul progetto.

personal effectsonsale
27-29 gennaio 2012
opening 26 gennaio 2012
Padiglione dell’Esprit Nouveau di Le Corbusier – piazza Costituzione 11 Bologna

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personal effectsonsale starts from the personal object.
The artist is by definition a “fanatic” of the material and an accumulator of things. National and international artists of different generations are invited to send their personal effects: ordinary objects, books, souvenirs, musical suggestions, clothing or tools. personal effectsonsale è an exhibition that, as a visual diary, offers an intimate and inedited perception on the owners’ identity.
It witnesses memories, views, habits, preferences, artistic, cultural and social references, through the objects which the public can buy.
The project will bet on identity: the list of the artists is declared, but the items remain anonymous and their paternity will be revealed only after purchase, discovering unexpected affinities. The exhibition will then change constantly, gradually emptying the items purchased by visitors which, in this way, partecipate actively in the “re-construction” of the show.
Personal items – from one to three per artist – will be available to the visitor, who will be able to buy them at the symbolic price, democratic and ironic of 9.99 euros each. The sale will be accompanied by a certificate of ownership signed by the artist himself. The proceeds collected during the days of the exhibition will allow the project to publish a catalogue about this experience.

personal effectsonsale
January 27th-29th 2012
opening January 26th 2012
Le Corbusier’s Esprit Nouveau Pavilion – piazza Costituzione 11 Bologna

Fedele a una tradizione ormai consolidata, anche quest’anno il Dipartimento delle Arti Visive e la Scuola di specializzazione in Beni Storici Artistici, che ne è parte integrante, celebrano il culmine dell’estate con un evento culturale e festoso nello stesso tempo, presentando un ricchissimo programma fondato sulla videoarte. Questa forma tecnica ed espressiva è soltanto un minimo settore dell’amplissimo arco storico-disciplinare che le due istituzioni abbracciano, ma si raccomanda sia per l’immediatezza con cui è possibile raccoglierne e mostrarne i prodotti, sia soprattutto per il ruolo sempre più rilevante che la videoarte ha assunto, fungendo da punto di confluenza di ogni altro genere e tecnica. Si può ben dire che oggi tutte le arti si concentrano nel video, così come in altri tempi avveniva per il dramma o per la musica.
Al solito, è stata cura degli organizzatori scegliere un testimone di grande valore a introdurre la giornata. Se negli anni scorsi la scelta era andata a madrine d’eccezione quali Gabriella Belli, Lia Rumma, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, quest’anno ci si è rivolti a Mario Gorni, principale gestore, assieme a Patrizia Brusarosco, del più importante centro milanese di arte sperimentale, che va sotto il nome globale di DOCVA, con le due articolazioni di Care/of e di ViaFarini.
Alle ore 18 Mario Gorni, oltre a esporre la sua ricca e multiforme esperienza nel settore video e i criteri cui si attiene nella raccolta dei materiali, presenterà una selezione di otto video ritenuti tra i più significativi della propria collezione.
A seguire verrà presentato un particolare omaggio a uno dei protagonisti più attivi della videoarte italiana, Devis Venturelli.
Alle 21, si darà inizio alla proiezione di Videoart Yearbook 2011, composto come negli anni precedenti da quaranta video, per circa due ore complessive di durata, a cura del consueto gruppo composto da Renato Barilli, Alessandra Borgogelli, Paolo Granata, Silvia Grandi, Fabiola Naldi, Paola Sega. Le opere sfileranno secondo l’ordine alfabetico degli autori, visto che l’enorme quantità di filoni e di generi coltivati, più che mai ricco e divaricato, non consente una presentazione condotta per serie omogenee. Come negli altri anni, se ne vedranno “di tutti i colori”, da mozziconi di inchiesta sociologica a gags dal sapore comico, per venire anche a creazioni di computer graphic, sempre più complesse e affascinanti.

Programma, martedì 12 luglio 2011

h. 17,30 Saluto dei Direttori Daniele Benati, Dipartimento delle Arti Visive, e Stefano Ferrari, Scuola di specializzazione in Beni Storici Artistici

h. 18 Incontro con Mario Gorni, DOCVA (Care/of, Viafarini, Milano) in dialogo con Renato Barilli, decano Videoart Yearbook.
A seguire, proiezione di una selezione di otto video della collezione DOCVA.

h. 21 Videoart Yearbook 2011 (parte I)
h. 22 Videoart Yearbook 2011 (parte II)

Mercoledì 13 luglio, dalle 16 alle 19, replica delle proiezioni

Mili Romano + Alessandra Andrini, Stefania Galegati + Valentina Miorandi, Dino Ferruzzi + Gianna Machiavelli, Giusi Campisi + Martina Dandolo, Paola Anziché + Alessandro Quaranta, Marco Samoré + Andrea Magnani, Francesca Moretti + Marco Rambaldi, Enrico Morsiani + Corso pratico di arte contemporanea di Imola, Stefano Pasquini + Tony Cioli Puviani, Sergio Camin, Chiara Pergola + Francesco Santoro, Monticelli e Pagone, Karin Andersen + Gianluca Di Dio, Anteo Radovan + Antonio Tola, Osservatorioinopera + Natasa Korosec, Laura Santamaria, Paola Di Bello + Simona Barbagallo, Elena Cologni, Emanuela Ascari + Velentina Vetturi, Ferdinando Mazzitelli + Rocco Lomonaco, PetriPaselli, Emilio Fantin + Arianna Fantin, Matteo Brusa, Giancarlo Norese + Umberto Cavenago, MalaArti Visive + Roberta Piccioni e Marco Fantini, Cino Bocchi, Sabrina Muzi + Marina Gasparini, Pierpaolo Coro e Rita Canarezza, Eva Marisaldi, Beatrice Gandolfi, Massimiliano Renzi, Davide Rivalta, Gaia Carboni, Giovanna Sarti, TILT, Fabrizio Prevedello + Concetta Modica.

Sabato 11 giugno, a partire dalle ore 18, si inaugura il nuovo Spazio Novella Guerra, un luogo dedicato alla ricerca artistica all'insegna dell'informalità. Il progetto parte da un sogno, il sogno di trovare un "locus ameno" dove potere riscoprire il piacere dell'incontro, dello scambio e della residenza.Dopo due anni di ricerche ecco trovato il casolare che si presta a questa scommessa. Il nome Novella Guerra è dedicato alla memoria di mia madre, ma è anche un ottimo programma e un concentrato di energia.

L'apertura avverrà con una collettiva dal titolo PER ARRIVARE QUI, IL SENTIERO DAVANTI ALLA SCUOLA che coinvolge una serie di artisti e amici, ognuno dei quali contribuirà ad allargare il cerchio delle relazioni invitando a sua volta un amico artista. Ne risulterà quindi una mostra di lavori che si arricchiscono vicendevolmente proprio per il fatto di dare forma tangibile a un invito amichevole che vuole essere l'inizio di nuovi dialoghi artistici e intellettuali. Il tutto si concluderà con una festa e, per chi vuole, con due giorni di incontro che faranno da contrappunto ad una programmazione di progetti artistici e curatoriali, scambi culturali, workshop. Nella futura programmazione dello spazio ci sarà la possibilità di sostare per più di un giorno; daremo vita ogni volta a piccole residenze dove l'evento finale sarà il risultato di una reale collaborazione e di un incontro ravvicinato.

Annalisa Cattani (e Darth)
Via Bergullo, 15
40026 Imola bologna
0542328998
3356648415


Per raggiungere lo Spazio Novella Guerra: dall'uscita autostradale continuare su Via Selice - alla rotonda prendere la terza uscita e continuare su Viale della Resistenza. Alla Rotonda prendere la seconda uscita (attraversare il ponte) su Viale C. Pisacane. Al semaforo girare a destra per Via Santerno e a sinistra per Via Rivazza, seguire la strada fino all'incrocio, attraversarlo e prendere Via Bergullo. Percorrere circa 1,5 Km (strada collinare), dopodichè svoltare a sinistra poco prima di una scuola (la strada scende); al bivio tenere la sinistra fino in alto.

 

Da qualche anno ormai PetriPaselli lavorano sulle ricostruzioni, sulle rimesse in scena poetiche ed ellittiche dell’immaginario visivo intimo, che caricano parimenti di sapori affettuosi e d’uno sguardo lucido e indagatore.

Lavorano sulla situazione, sull’ambiente, ma soprattutto sull’evidenza specifica dell’immagine, quel punto in cui essa pare trascolorare e di nuovo, per via di manipolazione artificiosa, si ricarica di senso.

In questo caso il rischio è quello del popism d’accatto, di una sorta di ipertrofia iconografica facile e accattivante. Ma più che le immagini, ai due interessa la memoria dell’immagine, quel punto di sedimentazione in cui si fa coscienza, individuale e collettiva.

La pratica ordinata dell’iterazione, assunta a schema retorico neutro, suggerisce i retrogusti dell’accumulazione, della catalogazione, del collezionare, senza che tutto ciò si faccia mozione ideologica o intenzione proterva.

Piace soprattutto, di PetriPaselli, quella sorta di ritrosia pudica del far vedere, non priva d’ironie, che sottrae le opere alle logiche vigenti di asserzione volgare. È, anche, un ragionamento sul kitsch, perché lo costeggia senza mai farsene strumento.

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Mio padre era a suo modo un grande collezionista. Dopo la sua scomparsa, abbiamo trovato nel suo "regno", il garage e la cantina, ogni genere di oggetto: vecchie cornici, componenti di biciclette, rubinetti, quadri, .... Ma quello che mi ha stupito di più è stato trovare in una busta alcune delle cose che mi appartenevano da bambina: qualche cerchietto, la borsina di "Furia, il cavallo del West", le figurine di un album di bambine da vestire che scambiavo con le amiche, i miei gioielli finti, il timbro di Poochie, etc.
Un mare di emozioni e ricordi mi ha invaso il cuore. E malgrado mi sia ben chiaro l'affetto col quale mio padre ha conservato quelle cose, ho compreso il senso ben più vasto del suo cercare e conservare di fronte alla mostra dei PetriPaselli.

"Amici d'Infanzia" si tiene presso la Galleria OltreDimore di Bologna fino al 18 giugno 2011. In questo contesto, i due artisti fanno molto di più che esporre le loro opere. Rievocano un mondo, ormai lontano, che appartiene ad una memoria collettiva. E lo fanno raccogliendo, catalogando e fotografando giocattoli, sulla base di un concetto compositivo e decontestualizzante di grande impatto.
Grazie all'unione delle loro due passioni, il mezzo fotografico ed il collezionismo, i PetriPaselli hanno creato un'atmosfera silenziosa ma evocativa, fatta di ricordi che pensavamo abbandonati nelle soffitte o in cassetti polverosi della memoria.

Con quei personaggi di gomma, di pezza o latta, insieme a un profondo gusto per il vintage - in chiave a tratti decisamente kitsch - hanno trovato il modo di aprire una porta spazio-temporale su tempi e soprattutto mondi diversi.
E se proviamo ad osservare bene le opere, ci accorgiamo che causano in noi uno sconvolgente, a volte inquietante, straniamento dalla realtà nella quale ci troviamo: ogni singola immagine delle loro installazioni su stampa lambda, forex, plexiglass, è il primo piano di un personaggio che sembra avere emozioni. I colori saturi, l'assenza di cornici, lo sfondo nero, ne accentuano la forma e la capacità evocativa, ne espandono lo spazio di comunicatività, lo rendono vivo e in grado di interagire e dialogare con la nostra emotività.

Quella parte infantile che esiste ancora in ognuno di noi, riaffiora nell'osservare le opere su stampa lenticolare di giocattoli snodabili che i due artisti hanno fotografato nelle varie fasi del loro movimento. Proprio come se godessero di vita propria, queste immagini fanno pensare ai tempi in cui credevamo che durante la notte, mentre tutti dormono, i nostri giocattoli si animassero di vita.

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Via D’Azeglio 42  Bologna

Info 348 9870574  |  Orario: feriali 15.30-19.30

Inaugurazione: 26 maggio ore 18.00

OPERE

Roberto BISSANI  | Umberto CICERI | Marco LUGLI |  Andrea MAIOLI

 omaggio a

Andres Serrano 'Black Santa'

Rassegna di fotografia contemporanea. Accanto ad un omaggio a due maestri internazionali, Andres Serrano e Jurgen Schadeberg, la Galleria L'ARIETE propone opere di apprezzati artisti italiani che utilizzano il mezzo fotografico, ognuno con modalita' particolari, mettendolo in relazione con altri linguaggi.

In mostra le tecniche lenticolari di Ciceri, le installazioni concettuali dei PetriPaselli, i riporti fotografici su acetato di Piovaccari, le immagini elaborate su ferro acidato di Lugli, le riflessioni visive sul tempo di Bissani, le stampe digitali neo pop di Zanelli e i frammenti visivi in scatole di metallo di Maioli.

13 maggio | 18 giugno 2011

Inaugurazione venerdì 13 maggio h 18.00

Galleria OltreDimore via d'Azeglio 35/a, Bologna

AMICI D'INFANZIA
a cura di Simona Pinelli e Elisa Schiavina

Il ricordo, il legame tra bambino e giocattolo e la storia di una grande amicizia sono i temi principali della mostra di PetriPaselli. Chi non ha mai parlato con il proprio pupazzo? Un salto nel mondo di PetriPaselli e ci troviamo catapultati nel paese dei ricordi, popolato da giocattoli e bambole, recuperati dagli anni dell'infanzia, immobili e muti disposti con rigore in fila come riordinati su di una mensola in camera da letto. Per quanto ci si sforzi di fronte a queste icone di trovare la traccia di un racconto ci si scontra con una logica anti narrativa che lascia spazio solo al valore simbolico che unisce fra loro le immagini alla nostra coscienza.

Opere contro ma soprattutto per nell’Italia subito dopo gli anni zero ma ancora non a zero nonostante tutto in uno spazio in cui potete passare stare guardare bere ascoltare dire forse capire di sicuro partecipare e in bocca al lupo perché ne abbiamo bisogno tutti anche quelli che si sentono e stanno lontani e che pensano che i tetti siano solo pieni di antenne mentre c’è ormai più di qualcuno che urla forte e chiaro che non tutto è in vendita e non tutto si può comprare.

Inaugurazione: venerdì 28 gennaio 2011, dalle ore 21.00
Apertura: 28 – 30 gennaio 2011
Orari: sabato 16.00/24.00, domenica 10.30/24.00

Via Farini 33, Bologna

A cura di
Raffaele Gavarro

Espongono
Aznamusnart, Marco Bonafè, Alessandro Brighetti, Gea Casolaro, Raffaella Crispino, Sandro Mele, Piero Mottola, PetriPaselli, Alice Schivardi, Ivana Spinelli, Giuseppe Stampone, barbarauccelli, Nat Wilms
 

Mostra organizzata e promossa da Oltre Dimore Evento OFF di Arte Fiera 2011 

Bologna è piena di fantasmi, finiti ad abitare in quegli appartamenti e in quei negozi vuoti che s’incontrano nel centro storico. Spazi perfetti per i fantasmi, ma anche per le opere degli artisti, per una temporanea e felice coesistenza. Così la galleria OltreDimore, ha deciso di utilizzare uno di questi spazi per realizzare una mostra. Ha chiesto il permesso ai fantasmi residenti e durante i giorni di Arte Fiera 2011, in un ex negozio abbandonato di Via Farini 33, vedrete come i fantasmi preferiscano le opere degli artisti e la vostra compagnia alla solitudine. Non tutto è in vendita è il titolo della mostra che Raffaele Gavarro ha voluto realizzare in questi suggestivi trecento metri quadri abbandonati nel centro di Bologna. Una mostra leggera, rapida, ma nondimeno “pensierosa”, in cui le opere degli artisti ci parlano tutte del tempo che viviamo. Un tempo veloce, instabile, contraddittorio, ma anche in cui più forte si avverte oggi la necessità di guardare con attenzione, di capire, di accettare e, se è il caso, di rifiutare. Non tutto è in vendita è uno dei molti esempi con cui l’arte di oggi sta affermando la necessità etica del proprio ruolo nel nostro presente.

NanoPatrono
progetto per il Vecchione, Bologna 2010

Il concorso bandito dall’Area Cultura del Comune di Bologna per la progettazione del Vecchione da bruciare in Piazza Maggiore la notte di San Silvestro è stato vinto, per l’ironica rivisitazione della figura del Vecchione e per la raffinatezza della presentazione, da Marco Dugo con il progetto “La rana di Bologna”.
Al concorso per il Vecchione altri 5 progetti si sono distinti per la qualità artistica e per l’accuratezza della realizzazione, tanto da indurre la commissione a segnalare gli autori Agnese Baruzzi, Federico Capitani, Petripaselli, Giovanni Venturi con Matteo Varsallona e Matilde Delfina Pescali con Francesca Massai.
Vincitore e segnalati saranno promossi nell’ambito del progetto Iceberg – Giovani Artisti a Bologna, a cura dell’Area Cultura del Comune di Bologna.

 

Più volte ci siamo chiesti cosa avrebbe voluto dire cimentarsi con un’opera pubblica come quella del Vecchione, le cui caratteristiche esulano dalle committenze classiche e dalle dinamiche tipiche del mondo dell’arte. Il Vecchione è in tutto e per tutto un’opera d’arte che però viene concepita e costruita per essere distrutta. E’ quindi un’opera di breve durata, una lampo a ciel sereno. E’ una apparizione che ha il compito mostrarsi per qualche ora, divertire, affascinare per poi sparire. E’ qualcosa che apre e chiude allo stesso tempo. E’ qualcosa di estremamente fulmineo che deve avere la forza di imprimersi nella memoria collettiva, avendo a disposizione una manciata di ore. Da queste premesse la nostra scelta di creare un'opera popolare unendo elementi familiari a tutti, uno appartenente alla cultura “alta” ed uno a quella “bassa”. La prima legata all’ambito storico-artistico la seconda all’ambito quotidiano-domestico. Da una parte la figura del patrono della città, non necessariamente nella sua accezione religiosa ma piuttosto in quanto figura protettrice della città stessa e dei suoi abitanti, immediatamente riconoscibile dal modellino che porta tra le braccia e nel quale possiamo vedere una sorta di souvenir “ante litteram”. Dall’altra parte il nano da giardino. Una icona ormai del mondo contemporaneo, del kitsch, dell’ironia. Figura legata tanto al mondo dell’infanzia quanto a quella serie di oggetti inutili della contemporaneità, riconoscibile nel mondo intero e portatrice di ironia e leggerezza. L’unione di questi due elementi rappresentano per noi un modo per affrontare il nuovo senza abbandonare la cultura più alta. Un modo per guardare alla contemporaneità senza tralasciare le nostre radici. Il modellino presente nel busto di San Petronio, della Loggia della Mercanzia, ora presente al Museo Medievale di Bologna, è stato ingigantito per trasformarlo in un banalissimo oggetto che possiamo trovare nei tanti negozietti che si affacciano su piazza Maggiore in attesa dei turisti. La scritta lapidaria “Ricordo” che abbiamo posto sulla base allude alle tante frasi stereotipate tipo “Ricordo di...”, “Souvenir di...”, che prende in questo caso un carattere più generico alludendo piuttosto al ricordo di quest’anno che sta per terminare. E’ una esortazione indiretta a ricordare per andare avanti con ironia e serenità. “Nano Patrono” è nato per essere bruciato. E’ una idea nata per essere un corto circuito tra piani culturali apparentemente distanti ma assolutamente tangenti tra loro. E’ nato per traghettare i cittadini di Bologna verso il nuovo anno con un sorriso sulle labbra, con leggerezza, ma senza tralasciare il senso di appartenenza alla propria città. L'ingigantimento di un oggetto è una pratica ormai abituale dell'arte contemporanea e ha il fine ultimo di creare uno spaesamento nell'osservatore che si trova spiazzato davanti ad un oggetto familiare fuori scala. Nel nostro caso questa estensione nello spazio ha la funzione di portare alla massima forza la carica ironica di un oggetto a noi vicino come il nano da giardino, legandolo però indissolubilmente alla città e i suoi cittadini-turisti che si trovano omaggiati di un nuovo protettore del buon umore. La città diventa casa loro, e piazza Maggiore il loro giardino.

PetriPaselli

In non poche realtà italiane, la figura del santo patrono recante in mano, o in grembo, il modello della città su cui esercita la sua tutela diviene dal tardo Medioevo emblema archetipico di un senso di appartenenza. La struttura urbana è contenuta ed abbracciata dalle mura, che stabiliscono un limes visivo conchiuso (dentro vi è lo spazio organizzato e protetto, fuori la campagna); in esso ci si può riconoscere come individui facenti parte di una realtà civica. Nel caso specifico di Bologna, alcuni tratti caratteristici - in primis le Due Torri - connotano la città sostenuta da Petronio, istituendo con lui, che secondo l'agiografia l'aveva davvero riformata, un legame inscindibile, perdurante dalla pittura e della scultura di secondo Trecento fino ai secoli moderni, si può dire alle ricadute della Rivoluzione francese, e che caratterizza tanta parte della produzione artistica religiosa locale. Anche quando il modello urbano non sta tra le mani del santo, ma lo accompagna in modalità molto differenziate (spesso a terra, a fianco dei suoi piedi) Simone dei Crocefissi, gli scultori della Loggia della Mercanzia, Giovanni da Modena, o ancora Francesco del Cossa, Prospero Fontana, giù fino ai pittori del secolo d'oro della pittura bolognese, Annibale Carracci e Guido Reni, diffondono - tra gli altri - e rendono popolare questa iconografia devozionale e caratterizzante. Si costituisce e si stabilizza, fino alle immaginette dei santini, un segno forte della civitas, spesso portatore di un orgoglio municipale che nella piazza Maggiore e negli edifici circostanti trova il suo coronamento e la sua legittimazione. Come già in altre loro realizzazioni, come per esempio nelle installazioni di Simbionte curate dal duo al Museo Davia Bargellini, la finezza e la competenza di PetriPaselli, sempre ricche di riferimenti alla tradizione, reinterpretano in modo lieve, pieno di suggestioni, questo exemplum così impegnativo, e lo colloca proprio nella sede fisica più adatta a una sua riproposizione, e nel contesto forse più pubblico e popolare: una suggestione giocosa ma estremamente colta, di quella cultura che però tutti possono apprezzare.

Fabrizio Lollini, “Università degli studi di Bologna”